Возвращëнные шедевры. Картины русской живописи из довоенной коллекции Национального художественного музея Республики Беларусь
В 2022 году – году «исторической памяти» – Национальный художественный музей познакомил своих посетителей с 50 произведениями в экспозиции музея, которые вернулись из Германии, куда были вывезены нацистами в 1941–1944 годах из Минска.
Они были отмечены специальными этикетками. В этом году мы познакомим любителей искусства с несколькими произведениями русской коллекции, которые были в довоенной коллекции музея, и, пережив драматические события войны, вернулись из Германии на родину. Часть из них находится в экспозиции, часть – в фондах.
В довоенной коллекции Государственной картинной галереи БССР, судя по «Описи музейных ценностей, увезëнных гитлеровцами в Германию и в страны еë сообщников и уничтоженных в результате их разбойничьих действий» (1944), составленной Н. Машковцевым и Е. Аладовой, числилось 223 единицы хранения русской живописи (в том числе картины Ф. Рокотова, Д. Левицкого («Екатерина Законодательница»), И. Айвазовского, С. Зарянко, И. Похитонова, 13 произведений И.Е. Репина), 480 предметов русского фарфора, более двух десятков скульптур, в том числе и касающихся исторических событий на территории Беларуси, как, например, гипсовый барельеф «Сражение при Березине» Ф. Толстого, десятки листов русской графики, переданные из дуплетных фондов музеев Москвы и Ленинграда.
Только Государственный Русский музей передал для минской галереи в 1939 году 21 картину, 85 графических листов и 17 скульптурных работ Ф. Растрелли, П. Клодта, Р. Баха, М. Антокольского из бронзы, чугуна и гипса, 48 предметов русского фарфора.
В послевоенные годы коллекция русской живописи была собрана заново легендарным директором Государственного художественного музея БССР Е.В. Аладовой (1907–1986). Коллекция русской живописи насчитывает сейчас более тысячи единиц хранения. В неë входят всего около 30 живописных картин, принадлежавших до войны Картинной галерее и Белорусскому государственному музею, которые благополучно вернулись в своë собрание. Они – настоящие «звёзды» музейной коллекции. О некоторых из них расскажет эта выставка.
Маркиза
В 1939 году – в коллекции Государственной картинной галереи БССР. Ранее – в Белорусском государственном музее (с 1926), Государственном музейном фонде, коллекции Ивана Морозова.
Головин Александр Яковлевич родился в 1863 году в Москве. Художник театра, портретист, пейзажист, писал натюрморты. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества в 1881–1889 годах сначала на архитектурном, затем на живописном отделении у В. Маковского и В. Поленова, И. Прянишникова, в Париже в Академии Ф. Коларосси в 1889 году и в мастерской Витти в 1892 году. Посетил Италию, Испанию, Францию. Жил в Москве до 1901 года и в Петербурге (Петрограде, Ленинграде). С 1912 года – академик. Художник Русской частной оперы Саввы Мамонтова (с 1897), главный декоратор Императорских театров в Петербурге (с 1908). С 1883 года – участник выставок Московского товарищества художников «Мир искусства», «Союза русских художников», «Художники РСФСР за 15 лет», Всесоюзных и др. Народный артист СССР с 1928 года. Умер в 1930 году в Детском Селе Ленинградской области.
В 1908 году Александр Головин работал над декорациями и костюмами к опере «Манон» Жюля Массне по роману аббата Прево в Императорском театре в Петербурге. Возможно, этим вызван цикл его «Маркиз», одна из которых попала в коллекцию Ивана Бахрушина, вторая – Ивана Морозова, третья – неизвестному коллекционеру. Впоследствии остальные произведения цикла оказались в Музее изобразительных искусств в Казани, а самая маленькая, квадратная (36х36), досталась Калининской областной картинной галереи.
В тематике работ ощущается влияние нашумевшей «Книги маркизы» с иллюстрациями Константина Сомова (1907), хотя в отличие от утончëнной эротики и фривольности «сомовских» маркиз в театральной позе «Маркизы» Головина читается идиллическое, почти пасторальное ощущение покоя и лëгкой грусти. Маркиза, само воплощение галантного XVIII века, предстоит перед зрителем, демонстрируя свою утончëнную красоту. Одной рукой опираясь на ручку зонтика, другой она держит красную розу. Головин любуется своей юной героиней в пудреном парике, изображëнной на фоне зелëных кулис. Темпера и акварель создают ощущение матовой приглушëнности цвета. В этих работах Головин погружается в рафинированную пассеистическую тематику петербургского объединения «Мир искусства», активным членом которого он был с начала 1900-х годов. Не зря критик Сергей Маковский отметил «Маркизу» в статье о художнике, напечатанной в журнале «Аполлон» в 1913 году. Там впервые была воспроизведена эта работа.
Амуры
В 1932 году передана на постоянное хранение из Государственного Русского музея Белорусскому государственному музею. В 1939 году передана Государственной картинной галерее. Была вывезена в Германию в 1941–1944 годах. В 1948 году поступила в Государственную картинную галерею БССР.
Зичи Михай (Михаил Александрович) родился в 1828 году в Зале (Австро-Венгрия). Портретист, писал жанровые композиции. Рисовальщик, литограф, иллюстратор. Учился в Академии художеств в Вене в 1843–1848 годах у Ф-Г. Вальдмюллера. Посетил Италию, Германию, Англию в начале 1870 годов, совершил несколько поездок на Кавказ в 1881–1882 годах. Жил в Петербурге с 1847 и с 1880 года, в Париже в 1874–1880 годах. С 1858 года – академик. В 1859–1873 гг. и с 1883–1906 гг. – придворный художник. Участник выставок в Академии художеств с 1858 г. Умер в 1906 году в Петербурге.
Михай Зичи, венгр по рождению, работавший в России, был прославленным «историком придворной жизни» российского двора. В его обязанности входили художественное документирование как парадных, так и семейных событий, придворных балов, театральных представлений, парадов, лагерной жизни, императорской охоты и карикатур на придворных. Тематика его творчества была многообразной – от портретов комнатных собачек до росписи вееров. Он был любимым портретистом четырëх императоров, особенно Николая I и Александра II, который коллекционировал его произведения, а Александр III украшал ими свои комнаты в Гатчинском дворце.
«Амуры», вероятно, – одна из многочисленных заказных работ. Детские шалости нескольких амурчиков, их мальчишескую возню Зичи помещает в овал на фоне облачного неба, удачно компонуя фигурки пяти малышей в различных сложных ракурсах и показывая своë мастерское владение рисунком, приëмами гротеска. Каждому из персонажей он придал свой характер и мимическую характеристику. С этим ему легко было справиться, так как он сам уже имел четверых детей.
Возможно, картина служила украшением детской в одном из императорских дворцов или, быть может, была эскизом или деталью для живописного плафона. Живописная безделица, исполненная в стиле барокко, показывает, тем не менее, виртуозное владение Зичи искусством стилизации, знание которой требовала от него должность придворного художника.
Осень
Передана в 1939 году в Государственную картинную галерею из Белорусского государственного музея. Ранее – собрание Государственного музейного фонда в Москве, частная коллекция Н.И. Гучкова. Вывезена нацистами из Минска в 1941–1944 годах. Поступила в 1948 году в порядке возвращения довоенных ценностей Государственной картинной галереи БССР.
Левитан Исаак Ильич родился в 1860 году в Кибатах Сувалкской губернии. Пейзажист. Писал также портреты, делал эскизы декораций. Работал в различных графических техниках. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества в 1873–1885 годах у А. Саврасова и В. Поленова. Жил преимущественно в Москве. Неоднократно ездил на Волгу. Посетил Италию, Германию, Францию, Австрию, Финляндию, Швейцарию. С 1898 года – академик. Преподавал в Москве в Классах изящных искусств А. Гунста с 1886 года, в Московском училище живописи, ваяния и зодчества – в 1898–1900 годах, где руководил мастерской. С 1877 года – участник выставок «Мир искусства», Товарищества передвижных художественных выставок и др. Умер в Москве в 1900 году.
Традиции лирического пейзажа-настроения, заложенные Алексеем Саврасовым, были продолжены в конце XIX века его учеником Исааком Левитаном. Этюд «Осень» был написан художником в 1889 году, спустя 4 года после окончания Московского училища живописи, ваяния и зодчества, в период творческой активности.
Весной 1888 года Левитан вместе с друзьями-художниками А. Степановым и С. Кувшинниковой отправился на пароходе по Оке до Нижнего Новгорода и далее вверх по Волге. Во время путешествия они неожиданно для себя открыли красоты маленького, тихого городка Плёс и решили задержаться и пожить там некоторое время. В итоге Левитан провёл в Плёсе три чрезвычайно продуктивных летних сезона (1888–1890). Можно предположить, что этюд написан в начале осени именно там. Около 200 работ, выполненных им за три лета в Плёсе, принесли Левитану широкую известность.
Как художник-лирик Левитан предпочитал изображать на своих полотнах именно те переходные моменты в жизни природы, которые богаче сменой и оттенками настроений. Любимые «герои» пейзажей Левитана – не дубы, сосны и ели, а более «отзывчивые» к природным изменениям тонкие берëзки и осинки. Дрожащие на ветру, с лëгким шелестом роняющие золотую листву, они пронизаны вечерним воздухом и уходящим светом, трогательны и беззащитны.
Сложный ритм в их расположении (центральную группу деревьев художник написал на фоне тëмного массива, чтобы подчеркнуть все тонкости цвета осенней листвы) рождает в композиции ощущение зыбкой неустойчивости. Живые, трепетные, вибрирующие движения кисти фиксируют все нюансы цветовых отношений. Философские раздумья Левитана полны грусти и размышлений о бренности всего земного.
Шхуна с лодками
Передана в 1939 году в Государственную картинную галерею из Белорусского государственного музея. Ранее – Румянцевкий музей (Москва). Поступила в 1948 году в порядке возвращения довоенных ценностей Государственной картинной галереи БССР.
Туржанский Леонард Викторович родился в 1875 году в Екатеринбурге. Пейзажист, анималист, портретист. Театральный декоратор. Занимался у художника Н. Плюснина в Екатеринбурге, в студии Л. Дмитриева-Кавказского в Петербурге в 1890 годы, в Центральном училище технического рисования барона А. Штиглица (1895), Московском училище живописи, ваяния и зодчества в 1898–1909 годах у В. Бакшеева, В. Серова, К. Коровина. Жил преимущественно в Москве. Преподавал в Екатеринбургской художественно-промышленной школе в 1919–1920 годах, в собственной студии в Малом Истоке близ Екатеринбурга и в Москве. С 1900 года – участник выставок Товарищества передвижных художественных выставок, Ассоциации художников революционной России, «Индустрии социализма», «Московского общества современных художников», за рубежом и др. Умер в 1945 году в Москве.
Леонарда Туржанского называют прямым наследником «пейзажа настроения» Левитана и одним из первых импрессионистов в российской живописи. Ученик Константина Коровина и Валентина Серова, он перенял у них «широкую» манеру письма и развил еë до передовых приëмов импрессионизма, создав свою, ни на что не похожую эстетическую систему в изображении деревенского уральского пейзажа – родных мест художника.
Ещë в студенческие годы (1903 и 1905) Туржанский, увлëкшись разработкой серой тональности (как Серов и Коровин), совершил поездки на Русский Север, на северные реки – Сухоне, Северную Двину, Вычегду, дойдя до берегов Ледовитого океана. Оттуда он привëз несколько больших по формату работ, две из которых сразу приобрела Третьяковская галерея – «Холодный вечер» и «Север. Тихий вечер», а небольшой этюд «Шхуны с лодками» – Румянцевский музей. Этюд «Шхуны с лодками», вероятно, относится к этой серии и условно датирован 1905 годом.
Морской пейзаж – новая тема в творчестве Туржанского – написан густыми, широкими, напряжëнными ударными мазками, ставшими визитной карточкой художника, его излюбленным техническим приëмом. В этой работе продолжало сказываться влияние серебристо-серой гаммы его учителей, увлечëнных разработкой серой тональности и еë оттенков. Художник сумел передать через незатейливый мотив не только атмосферу холодного моря, но чувство динамики, взволнованности, романтической передачи труда моряков, живую жизнь природы. Туржанский необычно кадрирует композицию, обрезая верхнюю часть шхуны, и, сосредоточившись на пришвартовавшихся к шхуне утлых рыбачьих судëнышках с парусами и стае птиц, кружащей над кораблем в надежде на лëгкую рыбную добычу. Этюд написан на пленэре с элементами импрессионистической манеры, эмоционально, с учëтом тончайших живописных соотношений в передаче ветреного холодного моря.
Портрет М. Антокольского
Передан из Белорусского государственного музея. Ранее – в собрании Государственной Третьяковской галереи, собрании П.М. Третьякова. Вывезена нацистами из Минска в 1941–1944 годах. Поступила в 1990 году в Национальный художественный музей Республики Беларусь в порядке возвращения довоенных ценностей Государственной картинной галереи.
Крамской Иван Николаевич родился в 1837 году в Острогожске Воронежской губернии. Портретист, автор картин на религиозные и литературные сюжеты. Работал также в области рисунка и гравюры. Автор статей по вопросам современного искусства. Учился в Петербургской академии художеств в 1857–1963 годах у А. Маркова и др. Жил в Петербурге. Посетил Германию, Италию, Францию. Один из организаторов Санкт-Петербургской артели художников, Товарищества передвижных художественных выставок. С 1869 года – академик. Преподавал в Рисовальной школе Общества поощрения художеств в 1863–1867 годах. С 1860 года – участник выставок Академии художеств, Товарищества передвижных художественных выставок, всероссийских и за рубежом. Умер в 1887 году в Петербурге.
В 1870-годы портрет остаëтся ведущим жанром в творчестве Ивана Крамского. Хотя Крамской и говорил, что «портретов, в сущности, никогда не любил», тем не менее он занимался ими всю жизнь, и не только потому, что участвовал в создании своеобразной портретной галереи П.М. Третьякова и много работал по заказам, но и потому, что написание портретов приносило ему огромное удовольствие. Неважно, заказной это был портрет или «для себя», подход был всегда один – тщательное изучение натуры, поиск истинной сути изображаемого человека.
Иван Крамской обращался к образу скульптора Марка Антокольского дважды (в 1871 и 1876 годах). Этот портрет экспонировался на I передвижной выставке ТПХВ в 1871 году и был куплен Павлом Михайловичем Третьяковым.
Крамской запечатлел Антокольского в год его первого успеха, когда в 1871 году скульптор получил звание академика за «Ивана Грозного». Портрет – фронтальный, поколенный, исключительно ясный и простой композиционно. Скульптор изображëн на нейтральном фоне в рабочей одежде, на плечи наброшен широкий шарф или плед, придавая модели образ странника. Цветовая палитра – сдержанна, монохромна, напоминает скорее дагерротип или графический лист в технике соуса. Основное внимание Крамской уделил светотеневой проработке фигуры модели и характеру портретируемого. В письме к В.В. Стасову от 9 июля 1876 года он признаëтся: «Я думал формою, и только одною формою, всë хотелось понять еë»… Портретная живопись И.Н. Крамского всегда ценилась из-за психологической верности, глубины и максимального внутреннего соответствия между реальной моделью и еë художественным образом.
Иди за мной, Сатано!
Эскиз передан в Государственную картинную галерею БССР из Витебского социально-исторического музея (1939). Ранее – в усадьбе И.Е. Репина «Здравнево». Вывезен нацистами из Минска в 1941–1944 годах. Поступил в 1960 году в порядке возвращения довоенных ценностей Государственной картинной галереи БССР.
Репин Илья Ефимович родился в 1844 году в Чугуеве Харьковской губернии. Жанрист, портретист, исторический живописец. Мастер станкового рисунка, акварели, иллюстратор. Занимался также скульптурой. Автор воспоминаний «Далёкое близкое», оставил большое эпистолярное наследие. Учился в Чугуеве в Школе военных топографов, затем – в Петербурге в Рисовальной школе Общества поощрения художеств в 1863 году у Р. Жуковского и И. Крамского, в Академии художеств в 1864–1871 годах у П. Басина, Ф. Бруни, Т. Нефа. Пенсионер Академии художеств в 1873–1876 годах в Италии и Франции. Жил в Чугуеве в 1876–1878 годах, в Москве – в 1878–1882 годах, в Петербурге с 1882 года, в своëм имении «Здравнево» в Витебской губернии, наездами в 1892–1900 годах в имении «Пенаты» в Куоккале с 1903 года. Посетил Германию, Испанию, Италию, Францию, Австрию, Польшу. Совершал поездки по России. С 1876 года – академик, с 1892 года – профессор. Преподаватель, руководитель мастерской в 1893–1900 годы, ректор Высшего художественного училища при Академии художеств в 1898–1899 годы, одновременно преподавал в школе-мастерской М. Тенишевой в 1895–1898 годах в Петербурге. С 1865 года – участник выставок в Академии художеств, Товарищества передвижных художественных выставок, Общества выставок художественных произведений, «Мира искусства», международных, зарубежных и других. Умер в 1930 году в Куоккале (Финляндия), ныне посёлок Репино Ленинградской области.
И.Е. Репин начал работать над сюжетом искушения Христа ещë в
1860-е годы. На протяжении нескольких десятилетий работал в своëм имении Здравнево под Витебском над этой темой, пытаясь найти форму для выражения замысла, ездил в Палестину и на Кавказ. «Я начинал компоновать «Искушение Христа в пустыне» под влиянием рассказа Крамского. Я поставил Христа на вершине скалы перед необозримой далью с морями и городами. Он отвернулся с трагическим выражением от искушающего вида и зажмурил глаза. Одной рукой он судорожно сжимал свой огромный лоб, а другой отстранял от себя неотвязную мысль о земной славе и власти. Одел его в короткий хитон, а босые ноги были в царапинах» (И. Репин).
Средствами рисунка Репин раскрывает внутренний мир Христа, показав его уязвимость, эмоциональную восприимчивость, человечность. Экспрессия линии, гибкой и динамичной, отсутствие жëсткого контура, комбинирование разных приëмов, сам рисунок обладает изумительной психологической выразительностью и выявляет непосредственное переживание художника. Фигура Сатаны решена довольно условно, но выразительна сама поза, лаконично намеченные жесты рук, черты лица поразительно остро выявляют хитрость и коварство дьявола.
Картина не давалась мастеру, один из вариантов он записал, другой разрезал и сжëг в 1900 году. Он менял еë композицию 11 раз. Последний вариант 1903 года был признан критикой неудачей великого мастера, картиной, которая вызвала «тоскливое недоумение самых верных его почитателей», – как писал А. Бенуа. Картина была передана Репиным в собрание Харьковского городского художественно-промышленного музея (с 1934 года – Украинская государственная картинная галерея), где и была утрачена во время Великой Отечественной войны.
«Масса этюдов и вариантов картины указывает на то, как много над ней передуманно и перечувствованно», – вспоминал друг Репина Жиркевич.
От творческих исканий мастера сохранился ряд живописных эскизов, находящихся в собраниях ряда центральных и региональных художественных музеев России, Киевской картинной галереи, частных собраниях. В нашем музее – единственный известный крупноформатный графический эскиз к картине, позволяющий в полной мере познакомиться с изначальным композиционным замыслом художника.
Огородники
Передана в Государственную картинную галерею БССР из Белорусского государственного музея в 1939 году. Вывезена из Минска нацистами в 1941–1944 годах. Поступила в 1960 г. в порядке возвращения довоенных ценностей Государственной картинной галереи БССР.
Шанкс Эмилия Яковлевна – англо-русская художница. Жанрист, пейзажист. Занималась графикой. Родилась в 1857 году в Москве. Училась вольнослушательницей в Московском училище живописи, ваяния и зодчества с конца 1880-х годов у Василия Поленова. Жила в Москве. Первая женщина-живописец, принятая в Товарищество передвижных художественных выставок. С 1889 года – участница Товарищества передвижных художественных выставок, Московского общества левых художников, выставок за рубежом и др. Эмигрировала в 1913 году в Великобританию. После переезда в Лондон выставляла свои работы в Королевс
Изображение детей в различных бытовых ситуациях, во время игры или занятий, станет визитной карточкой и специализацией жившей в России англичанки Эмилии Шанкс, незаслуженно забытой первой
женщины-художницы, принятой в Товарищество передвижных художественных выставок. Шанкс была неистощимой в выборе сюжетов, создав десятки разнообразных жанровых картин: в доме семейства Шанкс всегда было много детей: младшие сëстры и братья Эмилии, племянники, их друзья и дети друзей семьи. Так что выбор моделей для портретов и жанровых сцен был очень велик.
Картина «Огородники» (довоенное название – «Дети играют») не датирована. Вероятно, она относится к концу Х1Х века. Скорее всего, на ней – портреты конкретных детей близкого художнице семейного круга, проводящих летние месяцы на даче. Но дети не позируют, а сосредоточены на важном для них деле – игрой в поливку растений на огороде. Шанкс максимально приблизила их к зрителю. Намеренно изолируя детей от взрослых, художница показывает самодостаточность детского мира, пусть условную и контролируемую родителями. При подчëркнутой назидательности этого сюжета в картине ощутима поэтическая, безмятежная, даже сентиментальная атмосфера. Возможно, она писалась на пленэре, так как фигуры детей погружены в атмосферу солнечного дня с рефлексами и игрой светотени.
Натюрморт с черепами
Передана из Государственного музейного фонда в Музей при Витебском художественном училище в 1920 г. Ранее – в Витебском отделении Белорусского государственного музея. 16 апреля 1939 года передана в Государственную картинную галерею в Минске. Вывезена нацистами из Минска в 1941–1944 годах. Поступила в 1963 году в порядке возвращения довоенных ценностей Государственной картинной галереи БССР.
Машков Илья Иванович родился в 1881 году в станице Михайловская-на-Дону Саратовской губернии. Автор натюрмортов, пейзажей, портретов. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества в 1900–1909 годах (с перерывом) у Константина Коровина, Валентина Серова, Аполлинария Васнецова. Жил в Москве. Посетил Австрию, Германию, Францию, Англию, Италию, Испанию, Турцию, Грецию, Египет. С 1918 года – профессор. Преподавал в собственной студии в 1902–1917 годах, ВХУТЕМАСе-ВХУТЕИНе – в 1918–1930 годах. Один из организаторов общества «Бубновый валет». С 1902 года – участник выставок «Мир искусства», «Бубновый валет», Ассоциации художников революционной России и др. Умер в Москве в 1944 году.
Именно натюрморт определил творческое лицо Ильи Машкова в ранний период его творчества. «Натюрморт с черепами» конца 1910-х годов – энергичная, яркая, цветовая пластическая и пространственная композиция с необычным набором предметов на красной драпировке. У натюрмортов Машкова появляется ощутимый осязательный эффект – и от предметов, и от пространства. Он использует принцип пластических групп, выделяя подставкой-шкатулкой лишь икону, зафиксировав момент, когда икона стала предметом коллекционирования. Тщательно обозначив извод «Богоматерь с младенцем», лик богоматери не прописал. В сочетании сразу с двумя черепами – человечьим и лошадиным, яблоком и виноградом на блюде – это несомненная отсылка к голландским натюрмортным композициям типа “vanitas” – суета сует, бренности бытия, или “momento mori” – помни о смерти. Рядом – дешëвое аляповатое блюдце. Слева – торжественный букет в вазе с узким горлом и простой керамический кувшин. Это характерная для Машкова игра с предметами, имеющими высокий символический статус, (икона) и копеечную ценность (блюдце).
В натюрморте ощутима смесь влияний фовистов (эстетика народных вывесок) и натюрмортов Сезанна. Назидательность не была свойственна преувеличенно жизнерадостным натюрмортам Машкова, и этот «сезанновский» натюрморт Машкова как исключение приобретает в данном случае даже некую философичность.
Женский портрет
С 16 апреля 1939 года – в Государственной картинной галерее БССР. Ранее – в Витебском отделении Белорусского государственного музея, Музее при Витебском художественном училище (с 1920), Государственном музейном фонде. Вывезен нацистами из Минска в 1941–1944 годах. Поступил в 1963 году в порядке возвращения довоенных ценностей Государственной картинной галереи БССР.
Машков Илья Иванович родился в 1881 году в станице Михайловская-на-Дону Саратовской губернии. Автор натюрмортов, пейзажей, портретов. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества в 1900–1909 годах (с перерывом) у Константина Коровина, Валентина Серова, Аполлинария Васнецова. Жил в Москве. Посетил Австрию, Германию, Францию, Англию, Италию, Испанию, Турцию, Грецию, Египет. С 1918 года – профессор. Преподавал в собственной студии в 1902–1917 годах, ВХУТЕМАСе-ВХУТЕИНе – в 1918–1930 годах. Один из организаторов общества «Бубновый валет». С 1902 года – участник выставок «Мир искусства», «Бубновый валет», Ассоциации художников революционной России и др. Умер в Москве в 1944 году.
Этот портрет – самый ранний из цикла живописно-пластических эпатажных портретов Машкова периода раннего «Бубнового валета», написанных в стилистике Сезанна, фовизма и кубизма, совмещëнных с традициями русского примитива. Он часто пишет близких ему по духу и творчеству друзей, людей, своих учеников.
Илья Машков показывает себя здесь как мастер большого цветового диапазона, умело пользующегося контрастами дополнительных цветов.
«Дама с маками», «Женский портрет на фоне обоев», «Портрет жены» – так именовали ранее эту картину. Машкову позировала одна из учениц его частной студии, которую он изобразил на полотне «Дама с китаянкой. Портрет (Е. Киркальди)» 1910 года, – 19-летняя дочь немецкого купца Евгения Киркальди. Совсем юная девушка на портретах Машкова предстаëт перед зрителем солидной дамой. Еë образ нарочито примитизирован, даже огрублен, напоминает эстетику «балаганной» декорации. Застывшая поза напоминает позирование у провинциального фотографа и вызывает ироническую улыбку художника и одновременно сентиментальное любование еë простодушием.
Она согласилась стать моделью Машкова, «соучастницей» живописных экспериментов и вошла в историю русского авангарда несколькими портретами. В 1911 году она вышла замуж и никогда более не возвращалась в мастерскую Машкова к занятиям живописью, работая переводчицей в Торгсине и в системе радиоперехвата НКВД.
В этом портрете многое необычно: большой размер, яркие, почти кричащие краски, напряжëнность и насыщенность колорита, увлечение стилистикой народного творчества – уличной вывески, подноса, лубка. Даже подпись поставлена в верхнем левом, а не нижнем правом углу. Девушка позирует художнику в фиолетовой юбке и изумрудной кофте, в руке – жëлтые цветки розанов. Не менее ярок и цветист фон портрета – стена с обоями ярко красных огромных маков, которые лианами стеблей словно оплетают еë фигуру. Машков любил давать объëм орнаментальным мотивам фона, а объëмы фигур наоборот уплощать. Лицо молодой девушки нарочито «размалëвано» грубыми цветными мазками. «Оно всё в синяках и кровоподтёках; она вишнёвая, как будто купалась в настойке...», – возмущался критик. Недаром сам Машков называл эти портреты «пугачами», то есть картинами «чтобы народ пугать». И в наши дни ощущается мощная, яростная цветовая энергия, исходящая от портрета.
За дровами
В 1939 году передана в собрание Государственной картинной галереи БССР из Витебского областного историко-краеведческого музея. Ранее, с августа 1919 по 1925 год – в собрании Музея современного искусства в Витебске, Музейного бюро отдела ИЗО Наркомпроса, Москва (1919). В 1941–1944 годах вывезена из Минска в Германию. Поступила в 1998 году в порядке возвращения довоенных ценностей Государственной картинной галереи БССР.
Александр Васильевич Шевченко родился в 1883 году в Харькове. Русский и советский живописец, график, теоретик искусства, авангардист. С 1898 по 1907 год учился в Художественно-промышленном училище им. Строганова. В 1905 году поехал в Париж, где до 1906 года работал в мастерской Э. Каррьера, учился у Этьена Дине и Жан-Поля Лорана в академии Жюльена. Совершил путешествие по Англии, Испании, Египту и Турции. С 1908 по 1909 год учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у А. Архипова и К. Коровина.
В 1910-е годы участвовал в выставках объединений «Мир искусства», «Союз молодёжи» и «Ослиный хвост». Автор ряда литературных статей. В 1914 году был призван в действующую армию. В 1916 году был ранен. Заведовал литературно-художественным подотделом Коллегии по делам искусств Наркомпроса (1918–1921), входил в состав Живскульптарха
(1919–1920). Преподавал в Государственных свободных художественных мастерских – ВХУТЕМАСе-ВХУТЕИНе (1918–1929). Входил в общества «Маковец» и «Общество московских художников». В конце 1920-х – начале 1930-х годов побывал в Казахстане, Азербайджане и Грузии, создав ряд произведений на восточные темы. С 1941 года руководил кафедрой живописи в Московском текстильном институте. Умер в 1948 году в Москве.
«За дровами» (другие названия – «Извозчики», «Ломовики», «Лесовозы») относится к 1910 – начала 1920-х годам – периоду высших живописных достижений мастера, когда он создал свою гармоничную лирическую версию сезаннизма, узнаваемый стиль в оригинальных произведениях разных жанров: бытовых зарисовках, натюрмортах и пейзажах. Сезаннизм – ядро и основа построения его картины – откорректирован то лëгкими кубистическими сдвигами, то примитивистской упрощëнностью формы. Образы Шевченко отличает идиллическая просветлëнность, тяготение к обобщëнной монументальности силуэтов, к певучести ритмов, основанных на повторе круговых движений, к благородству сбалансированного колорита и композиционной ясности.
Творчество Шевченко в эти годы отличается сдержанностью, почти монохромностью колористического решения. Художник С. Герасимов писал о нëм: «Если у Шевченко нет ярких цветов и красок, это не значит, что вещи его не живописны. Но для него типично именно это».
Авторы: Усова Н.М. ведущий научный сотрудник (концепция, текст), Василевская А.Г., ведущий научный сотрудник (текст по статье «Большие мытарства испытала картина «Иди за мной, Сатано!» в сборнике «Аладовские чтения – 2021»).